Il Municipio di Agno, unitamente alla Commissione culturale, è lieto di condividere con il pubblico la mostra personale dedicata all’opera di Gianni Realini. Artista affermato nell’ambito pittorico e attivo anche come incisore, la sua produzione è stata esposta nei maggiori centri della Svizzera come pure a Bruxelles, Ulm fino a Tel Aviv, dove nel 1982 ha partecipato alla grande mostra itinerante mostra itinerante11 “Il disegno svizzero 70/80”, presentata in diverse città europee.

La mostra potrà essere visitata, senza necessità di riservazione, il giovedì e la domenica, dalle 16.00 alle 19.00, fino al 27 ottobre 2022.

Le visite avverranno nel rispetto delle disposizioni sanitarie vigenti.

Il Municipio di Agno, unitamente alla Commissione culturale, è lieto di condividere con il pubblico la mostra "Donazione Walter Brunner", che vede in esposizione opere dell'artista ricevute quale lascito a seguito della scomparsa della nipote.

La mostra potrà essere visitata, senza necessità di riservazione, il giovedì e la domenica, dalle 16.00 alle 19.00, dall’11 aprile fino al 16 dicembre 2021 (chiusura estiva ad agosto 2021).

Le visite avverranno nel rispetto delle disposizioni sanitarie vigenti.

Video Walter Brunner

Il Municipio di Agno, unitamente alla Commissione culturale, è lieto di condividere con il pubblico la mostra di Viviana Chiosi, artista nata e cresciuta in Ticino, che dal 1998 è attiva sulla scena artistica zurighese.
Diplomatasi allo CSIA nelle arti grafiche e dopo aver frequentato diversi corsi d’illustrazione a Sarmede in Italia, si cimenta nella realizzazione di opere pittoriche nelle quali si respira la contaminazione delle arti applicate.

La mostra potrà essere visitata, senza necessità di riservazione, il giovedì e la domenica, dalle 16.00 alle 19.00, fino al 16 dicembre 2021.

Le visite avverranno nel rispetto delle disposizioni sanitarie vigenti.

Video Viviana Chiosi

Questa nuova esposizione riprende il progetto di affiancare avvenimenti di carattere storico ad artisti contemporanei.
Da un lato Claudia e Carlo Bottini, collezionisti residenti ad Agno e da molti anni appassionati di arte sacra, e dall’altro Rosita Peverelli, artista meticolosa e polivalente che, oltre ad aver sviluppato un linguaggio scultoreo tendente alla sintesi formale, si è dedicata più volte, durante il suo percorso creativo, all’arte sacra.
 
L’unicità di questa collezione vede protagonisti una scelta tematica –i santi–, una tipologia artistica –la tecnica scultorea– e un materiale –il legno.
Rosita Peverelli fa un uso caleidoscopico dei materiali (la terracotta, il gesso, il marmo, la resina, il bronzo, il metallo e il plexiglass) per realizzare forme che tendono alla riduzione della materia fino all’essenziale.
 
Sono due universi discosti, addirittura opposti; l’uno immerso nella figuratività, l’altro nell’informale. Eppure, in un immaginario luogo più profondo si trovano delle assonanze di pieghe e di forme che scorrono nel solco della passione per la creazione d’arte e per il collezionismo.

Il progetto espositivo vede due protagonisti: Franco Cavani con sculture-totem e con la riproduzione di una quarantina di Kachina per rendere omaggio alla cultura indigena amerinda che vive in Arizona, e Leonardo Angelucci grafico e web designer, con dei manifesti sensoriali realizzati attraverso un'elaborazione digitale tramite sensori capaci di leggere le onde cerebrali. 

Attraverso il dialogo, si sviluppa così una riflessione sia sul piano storico che artistico. Entrambi di formazione grafica, si confrontano con esiti e mezzi diversi, riprendendo e giocando sugli stessi segni, che formano il filo conduttore della mostra.

Catalogo a fr. 5.-

In questa mostra di opere pittoriche Claudio Taddei offre uno spaccato esaustivo del suo essere pittore e musicista, a testimonianza della sua poliedrica personalità.

Quando ammiri i suoi quadri senti la sua musica con i suoi ritmi e le sue vocalità. Quando ascolti la sua musica vedi i colori, gli impasti, i graffi e i segni della sua pittura.

Si ha l’impressione che gli spazi del Museo non siano sufficienti a contenere la sua esplosiva operatività artistica.

 Appare qui un tratto distintivo di Claudio Taddei destinato a rinforzarsi nel tempo: vale a dire la sua insofferenza agli schemi, quella sua voglia di libertà che non sopporta griglie, quell’animo nomade che lo spinge di continuo a sottrarsi al tentativo di chi lo vorrebbe chiudere dentro la casella di un paese, di una cultura o di un determinato settore artistico, cercando di classificarlo sull’onda di movimenti scuole o correnti, quando invece per lui l’arte è prima di ogni altra cosa espressione di un sentire che ha anche una sua storia, ma si manifesta e realizza nel presente. E che si può esprimere tanto nella pittura quanto nella musica, per attenerci ai due generi da lui più praticati; ma che si esplica anche in poesie e versi per il canto, oppure in parole e frasi che gli sgorgano d’improvviso mentre dipinge, da chissà quali remoti ambiti interni, e talvolta fissa subito sulla tela. 

Egli si affianca in questo modo a coloro che affermano la sostanziale unità delle arti tanto più vera quanto più derivi dalle radici interne di uno stesso individuo, ma che ha pure ispirato la poetica di non pochi movimenti o gruppi artistici, soprattutto tra Otto e Novecento. 

Catalogo a fr. 5.-

Fabiola Quezada, pittrice di origine messicana che vive e lavora a Lugano, nelle sue opere ha saputo conservare la grande tradizione dei maestri messicani, quali Siqueiros, Rivera e Frida Kahlo, aggiungendo però al cromatismo dai toni tendenzialmente terrosi, tonalità di colori più accesi e vibranti.

Nella mostra viene proposto esclusivamente il suo lavoro legato al tema del fiore: una riflessione approfondita sui cambiamenti dell’eredità genetica. Mutazione che le piante subiscono e che va oltre la loro naturale bellezza: la modifica, la esalta, la esagera, a volte senza che ce ne accorgiamo. 

Il fiore altro non è se non l’emblema di una bellezza fragile, sempre sul punto di corrompersi: quella stessa della vita, con tutti i suoi fascini ma anche le sue spine.

Catalogo a fr. 5.-

Il lavoro di Carlo Salis si presenta attraverso opere in cui la scultura in certo qual modo diventa scena con elementi distribuiti quali attivatori di possibili narrazioni in bilico tra l’onirico, il fantasioso ma anche il reale. 

Dove par di risentire anche il richiamo gioioso della musica: pentagrammi volanti, crome e biscrome, chiavi o impugnature di violino, riccioli barocchi, unitamente però a misteriose scritture, a parentesi che aprono o chiudono il discorso, flussi d’acqua, stelle, strani elementi organici serpentinati o spiraliformi. 

Elementi carichi di tradizione e ricchi di potenzialità simboliche, in grado di alludere al finito e all’infinito, alla materia ma anche allo spirito e al raziocinio, allo scorrere del tempo, al ciclo delle stagioni ma anche all’eterno.

Pur nella loro varietà e radicata solidità, c’è comunque un filo comune che le attraversa tutte: il vuoto prevale sul pieno, la linea sul volume, il colore sulla massa, l’astrazione sulla figurazione.

Diversamente da quella tradizionale, la scultura di Salis nel suo complesso è, quindi, sostanzialmente antimaterica e antimonumentale: tende non al vuoto ma all’alleggerimento e all’evocazione, all’incanto e al silenzio più che all’affermazione, allo sguardo più che all’azione.

Catalogo: fr. 5.-

Quella di Flavia Zanetti non è una mostra in senso classico, è invece un’installazione elaborata appositamente per questi spazi dove ogni singolo pezzo concorre a sviluppare un pensiero unitario: a partire da ciò che questo luogo è e rappresenta.

Per lei decidere di fare un intervento all’interno del museo “plebano” (aggettivo gravido di storia perché rimanda all’epoca della penetrazione del cristianesimo nelle regioni subalpine), significava, infatti, assumere come sfondo dell’intera operazione la storia plurisecolare di una plebe, cioè di un popolo che qui ha vissuto e che in questo comprensorio  – la pieve, appunto, con la sua chiesa madre – ha condiviso momenti fondanti della vita sia cristiana che civile: dal battesimo all’ultimo commiato. 

Ma voleva anche dire ricordare gli infiniti transiti (dal viandante al pellegrino, ai Franchi, ai Longobardi al generale Suvarov con le sue truppe) che di qui sono passati. Agno era infatti un’importante “stazione” per quanti fin dall'alto medioevo percorrevano l’antica Strada Regina nel tratto tra Ponte Tresa e Magadino, passando per il Vedeggio ed il Monte Ceneri. La modernità l’ha quasi dimenticata, relegata ai margini dei nostri trafficati assi stradali e lasciata pian piano deperire, in più di un caso si perde, la strada si smarrisce. 

Oggi chi vi transita non può non ricordare quel passato; ma può anche succedere che altri orizzonti ed altre strade, anche assai lontani, si accendano o si sovrappongano in rapida dissolvenza, creando cortocircuiti, dando avvio a possibili analogie.

L’ieri si mescola con l’oggi, il nostro presente con un altro presente e, alle nostre vecchie strade, altre strade si accostano: sconnesse arterie sterrate che attraversano l’emisfero settentrionale dell’Africa per approdare al Mediterraneo, con camion polverosi che sfrecciano accanto a file di uomini in cammino sul ciglio della strada.

Di fronte al comportamento di chi alza muri, reali e mentali, nei confronti di ciò che è diverso e disturba ma è pur sempre umano, dimenticando persino la propria storia di secolare emigrazione, l’intervento della Zanetti diventa ri-flessione sul mondo di cui – magari anche controvoglia – siamo testimoni, ci coinvolge e ci interroga.

L’augurio dell’artista è che l’umanità esca presto da questo inferno “a riveder le stelle”, così che ad ogni uomo sia data la possibilità di intravedere e percorrere la propria strada. 

Catalogo a fr. 5.- 

L’arte di Simonetta Martini, pittrice che lavora a Curio, immersa nella luce e nel silenzio del suo atelier, si inserisce molto bene nello spazio del Museo plebano. Nasce un dialogo che viene trasmesso immediatamente allo spettatore in tutto il suo intimo potenziale.

“C’è un’arte che vive sul pelo dell’onda, sull’istantaneità del presente: si muove rapida e leggera, in tempo reale, con il variare dei tempi, del vento e delle burrasche, degli stili e delle mode. Ce n’è però anche un’altra che guarda altrove e viene da molto lontano, smuovendo suggestioni che sembrano emergere da antichi fondali marini. 

A questa categoria appartiene la pittura di Simonetta Martini: la quale tende a sgravare l’immagine da ogni elemento superfluo, per distillare un’essenza che può anche essere un’assenza, e condensarla in una sensazione “che renda l’immagine fedele al proprio sentire.” La sua arte porta dentro di sé il sentimento di un’attesa, di un continuo tendere a qualcosa che sta oltre, ma che a volte è anche estremamente vicino: il fascino sorpren¬dente della natura, la docile pazienza dei feroci bisonti quando è la lunga ora della neve, la naturalità della vita e la serena convivenza tra uomini, donne ed animali, l’idea di continuità e ciclicità, il tendere comune verso terre ignote, foriere forse di nuovi pascoli ed erbe. 

Lì tempo e spazio sembrano dissolversi. È quella la soglia su cui Simonetta ci porta: dove antico e moderno, ed eterno, si rinnovano di continuo.”

Catalogo a fr. 5.-

Mostra dell’artista di origine svizzero tedesca trasferitosi in età giovanile in Ticino. La nostra regione, con la sua luce e con i suoi stimoli ambientali, funge da irrinunciabile musa e da inesauribile ispirazione per il suo lavoro che si rifà a un personalissimo realismo metafisico, reso con maestria.

La scenografia dei suoi quadri è essenziale, spoglia, silenziosa. La figura umana è pressoché assente, ma la si intuisce nell’architettura prospettica degli interni a sottolineare il senso di solitudine che pervade l’uomo moderno.

Tutto è molto nitido, ma anche fermo, statico e bloccato, come ci si trovasse fuori dalla dimensione non solo del tempo ma anche dell’umano. Eppure poltrone, sedie e tavolini, finestre e biliardini che si affacciano sull’infinita distesa del mare, manifesti insegne e quadri affissi alle pareti o sui muri delle case, biciclette addossate a pareti di case e auto chiuse… tutto questo ci parla e ci dice dell’uomo che in quegli spazi vive e si muove, ma che queste pitture non registrano mai, nonostante i frequentissimi indizi del suo passaggio. Domina in questi luoghi il senso di un’estraneità o di un vuoto resi ancor più marcati dalla contrapposizione con la delicata solarità dei colori pastello e con la trasognata infinità del mare che confina con il cielo. 

Il fascino surreale e melanconico della pittura di Andy Wildi s’inserisce molto bene nella severa architettura del Museo Plebano. Le sue opere inducono il fruitore a interrogarsi introspettivamente sul proprio vissuto e sui valori della quotidianità.

Catalogo: fr. 5.-

Un'esposizione temporanea del pittore astrattista lirico-geometrico Hermanus van der Meijden, di origini olandesi, ma che ha vissuto e operato nel basso Malcantone.

"Hermanus", immerso nei boschi di Iseo come un eremita, intimamente a contatto con la natura, traeva da essa continui e innumerevoli stimoli per elaborarla interiormente, fino a raggiungere l'essenzialità formale che caratterizza la sua arte.

Egli non inseguiva una astrazione incontaminata, quasi disincarnata e potenzialmente assoluta, specchio cioè di una concezione trascendente dell'arte nelle sue componenti sia teosofiche sia matematiche: forme di un rigore geometrico allo stato puro, fatto di linea, squadra e compasso, fuori dai moti del corpo e dal flusso del tempo, dove non figurassero quindi né spessori irregolari di paste, né tracce lasciate in vista dal pennello, né linee morbidamente e sinuosamente tracciate a mano, colte nel loro progressivo distendersi sulla superficie, nella loro progressiva occupazione della tela.
Nei dipinti di Hermanus non si rinvengono forme che rimandano ad elementi di natura o a stilizzazioni antropomorfe, organiche. È la linea che lasciata correre genera l'immagine; quello che gli interessa non è il particolare ma l'insieme, la composizione nel suo complesso: di linee, forme e colori. Dinamica o statica. Tagliente, acuminata e puntuta oppure arrotondata e smussata, o tutt'e due le cose messe insieme. Tendente ad avanzare verso lo spettatore o appagata in se stessa. Ridotta all'essenzialità di una sola linea che genera pochi elementi oppure caricata dall'infittirsi di più elementi che gremiscono lo spazio.
La pittura di Hermanus è una progressiva esplorazione di tutti gli elementi pittorici che si affacciano sulla superficie alla ricerca di una loro possibile sintesi, di una organizzazione che si vorrebbe compiuta e armonica. Tutto parte dal segno che –guidato con fermezza dalla mano o lasciato libero di fluire secondo le sensazioni del momento– traccia percorsi alla ricerca di una forma, di un'unità di immagine in cui l'artista ritrova una parte di sé, qualcosa che gli è compatibile e conforme. Alla libertà del primo segno e del primo colore devono poi conformarsi, in un rapporto di reciproca relazione, tutte le altre linee e successivi colori. L'arte di Hermanus è in questa ricerca di correlazione di parti apparentemente senza legge, ma che in realtà determinano la loro legge verso l'unità.
Rifuggendo da un rigido astrattismo, Hermanus preserva da una parte la dimensione della corporalità dentro il fluire del tempo; dall'altra il contenuto lirico e soggettivo di un uomo che, nella pittura come nella vita, era alla ricerca di una sua armonia.

Catalogo a fr. 5.-

Walter Wilhelm Brunner (1900-1971), zurighese, aveva eletto Cassina d’Agno come residenza per oltre quattro decenni, durante i quali ha lasciato tracce significative del suo operare, non solo nella pittura, ma anche nello studio della filosofia, nell’osservazione astronomica, nell’approfondimento di temi politici. 

Una personalità poliedrica, che nella regione di Agno, ma anche in Verzasca, aveva trovato validi spunti di ispirazione artistica: dal tranquillo contesto lacuale a quello impervio della montagna (le sue ceneri sono state sparse sui monti di Brione Verzasca), alla costante ricerca di soggetti, seguendo gli impulsi che gli suggeriva la sua anima sensibile. 

Nel suo percorso pittorico troviamo fra l’altro il Ceresio, Neggio, Corippo e anche la litografia di Cassina d’Agno del 1940, che al critico d’arte e suo estimatore come Ottorino Villatora suggerisce «una resa quasi fotografica, pronta a dimostrare l’eccezionale bravura segnica di Brunner, che sa nominare, in dettaglio, ogni cosa minutamente: le case addossate (…), i filari alberati, le frangiature delle ombre, i pertugi delle finestre, le colline varianti». Il riferimento al messaggio ai posteri vergato «dall’affettuosa mano del suo più fedele abitante» rappresenta non solo un omaggio al genio artistico di Brunner, ma anche il suo identificarsi pienamente nella frazione del nostro comune. 

Così che il «piturel», come la gente lo soprannominava con grande rispetto, è stato in grado, anche nel contesto più localistico, di avvicinarsi ai grandi maestri del colore «nel massimo della semplicità e nel massimo della pienezza». 

Catalogo a fr. 10.- (in vendita presso la cancelleria fino a esaurimento).

Con questa mostra il Comune di Agno intende ricordare uno dei suoi cittadini più illustri, ma anche sfortunati. La breve vita di Jean Corty (Giovan Battista Corti, nato il 1. marzo 1907, deceduto a Mendrisio il 22 aprile 1946) è infatti un umano tra i più tormentati, ma anche rivelatori ed affascinanti nel campo dell’arte figurativa svizzera del Novecento.

Corty è per la Svizzera italiana tutt’altro che uno sconosciuto, ma nonostante parecchie mostre e nonostante gli estimatori ed i collezionisti non manchino, la sua figura continua a riservare sorprese, mentre nel giudizio artistico si sovrappongono ancora troppo spesso luoghi comuni legati alla sua biografia di “irregolare” che insistono sulla sua vita (caratterizzata da ripetuti ricoveri in manicomio) invece di puntare sulla novità che la sua pittura, di impronta espressionista ed esistenzialista, portò in Ticino attorno alla fine degli anni Trenta.

La Mostra al Museo Plebano propone una sessantina tra olî, carboncini, disegni: nella scelta delle opere, effettuata tenendo in considerazione dimensioni e particolarità dei suggestivi spazi espositivi, sono riproposti alcuni dei dipinti più conosciuti  di Jean Corty (nature morte, paesaggi, marine che gli hanno arrecato anche un seppur minimo successo commerciale), ma puntando soprattutto sul tema dell’uomo e della sua raffigurazione, l’ambito più innovatore e pregevole dell’artista. Opere, dunque, sofferte, intime, che si prestano ad una riflessione sulla natura umana, la sua drammaticità esistenziale, la sua caducità, il rapporto con Dio.

Catalogo a fr. 10.- (in vendita presso la cancelleria fino a esaurimento).

La mostra dedicata alla figura del pittore e acquerellista Giordano Passera (Cassina d’Agno 1906 - Lugano 1960), costituita da una cinquantina di opere eseguite con tecniche diverse e provenienti da collezionisti privati e dagli eredi dell’artista, intende essere un tributo a Passera in occasione del centenario della nascita e contemporaneamente si configura come la prima ampia retrospettiva dedicata al pittore dopo la sua scomparsa, avvenuta oltre quarant’anni fa. 

Pittore di paesaggi e nature morte, fine acquerellista, Giordano Passera è artista figurativo formatosi nell’ambito del naturalismo lombardo. Le sue opere, eseguite prevalentemente en plein air nel Malcantone (angoli di paese, il lago, case di nucleo), si accendono di nuovi toni dopo una serie di soggiorni che il pittore compie a partire dagli anni trenta nella laguna veneta, a Chioggia e a Venezia, affascinato dalle mille possibilità coloristiche della luce riflessa  nell’acqua e nel paesaggio.

La mostra ricostruisce l’iter artistico di Giordano Passera a partire dalla seconda metà degli anni venti, quando l’artista - dopo gli studi all’Accademia Albertina e alla Scuola San Carlo di Torino - torna in Ticino e comincia ad eseguire quei suoi caratteristici paesaggi che negli anni lo renderanno immediatamente riconoscibile. 

Catalogo a fr. 10.- (in vendita presso la cancelleria fino a esaurimento).

Nelle opere di Nena Airoldi, in un primo momento siamo colpiti dall'impeccabile eleganza formale. Con evidenza le sculture si presentano definite nei loro contorni lineari ben condotti come melodie, nelle loro superfici ampie e nei volumi che si intersecano o si incontrano ben integrati e composti come armonie. Ma questo è soltanto lo sguardo iniziale, d'avvio. 

Il discorso svolto da Nena Airoldi si svela profondo se, dopo essere stati attratti da tanto polito nitore, ci fermiamo a contemplare più addentro. Allora i segreti delle analogie e delle metafore si illuminano. Appare un mondo umano morale. Esso viene incontro alla nostra intuizione, passando attraverso la sensazione visiva e spaziale. Innanzitutto, un'immagine della vita umana come composizione dinamica, ossia come sintesi di opposti che stanno saldamente assieme proprio essendo opposti. Molto frequentemente l'opera si presenta come una base orizzontale sopra la quale trovano sede due elementi contrari: due quasi-gusci di conchiglia; due lembi di pietra, uno di pietra chiara l'altro di pietra scura; un monolito di granito rosso modificato in due parti contrastanti grazie a un taglio o a uno spigolo verticale; e altre composizioni ancora. Poi, un'idea dell'esistenza come perpetuo rischio incessantemente dominato dalla vigilanza, dall'attenzione sottile e intensa, da un controllo interiore: il rischio di cadere in ogni istante, rischio vinto e risolto dalla rappresentazione di un equilibrio mobile che, fermamente sistematizzato nel granito o nell'acciaio, diventa equilibrio permanente, linea di condotta, padronanza di sé. 

Contrapposizioni dialettiche; equilibrio difficile e conquistato; complessità padroneggiata e portata a sintesi. Questi tre valori della dinamica umana sono i primi a venirci incontro dalle sculture di Nena Airoldi. Altri valori sono più prevedibili ma egualmente necessari. La solidità, certamente suggerita dal granito e dall'acciaio. L'eleganza formale che è il prodotto di una disciplina continua, manifestata dall'elaborazione levigata, dalle superfici ostinatamente impeccabili. La luminosità. 

La scultura di Nena Airoldi è un atto di sottile riflessione e fermezza, trepidazione e dominio. Tensione per la fragilità umana e per tutto ciò che si muove, energia nel porsi davanti alle cose, sensibilità, gratitudine all'essere. Una creazione e il suo messaggio.
(dall’introduzione di Giuseppe Curonici)

Catalogo a fr. 10.- (in vendita presso la cancelleria fino a esaurimento).

Sigi Schuhmacher (1941), attivo ad Agno e conosciuto in Ticino soprattutto per le sue fotografie pubblicitarie, di architettura e di arte presenta il risultato di una sua passione nascosta: i ritratti.

Nella primavera del 1999, Schuhmacher, che da tempo coltivava questo particolare progetto, ha invitato a posare, presso il suo studio fotografico di Agno, 65 donne e uomini residenti o attivi nel Malcantone; si tratta di persone con le quali il fotografo ha rapporti professionali o privati.

È risultato quindi un gruppo di persone dalle caratteristiche più disparate: nell'età, nel ceto sociale, nella professione.

Le stesse condizioni di luce, lo stesso ambiente e inquadrature simili mettono in risalto, nelle immagini in bianco e nero, le singole personalità.

Il lavoro attento e sensibile in camera oscura di Inge Schuhmacher, moglie di Sigi, ha dato alle immagini l'ultimo tocco di perfezione.

I ritratti sono stampati su carta speciale, 40x40 cm; le scritte dinamiche di Gabriella Carbognani arricchiscono il risultato finale, dando ai singoli visi il loro nome.

Esistono molte altre mostre fotografiche interessanti che documentano il passato o che hanno per tema paesi fantastici e persone di altre culture.

Siccome la bellezza non è da ricercare solo nella lontananza, Sigi Schuhmacher ha ritenuto importante mostrare le persone che oggi e qui ci stanno vicine.